Conscience et jugement












     Travail théorique du auteur :Hamida Adjel


Préface :

Rien n’émane de rien, ou presque. Mon choix sur ce sujet et thème vient du fait de ce que j’ai subi pendant mes dix ans de travail. J’étais dans un établissement scolaire algérien, dans le quel j’enseignais à mes élèves les rudiments de l’art et en particulier le dessin.

Je suis de si peu un rescapé, qui fuit la dégradation et l’indignation causés par un jugement générale et par une culture un peu archaïque. J’ai découvert que l’art en Algérie était marginalisé, que directeurs et professeurs me regardaient avec une bassesse insupportable. Ce regard était dû à l’opinion de tous et de toutes sur le dessin (l’art) et qu’il était qu’une matière secondaire, un domaine insignifiant et une perte de temps. Ils étaient aussi convaincus qu’il n’était que gribouillage et que la peinture est qu’un jet de couleurs sur un espace vide.


Seules les mathématiques à leurs yeux était une matière digne d’être éduquée, ainsi que les sciences. Alors que l’art n’avait aucune valeur.
En vain, j’essayais de toutes mes forces de corriger cette vision sur l’art. Mais comment lutter contre toute une opinion bien ancrée dans les esprits.

J’étais malade et je suis plus médusé devant ce bilan et ce préjugé qui massacraient l’art.  Dire qu’à notre siècle, existent des gens (instruits) qui pensent ainsi.
Pour guérir ce mal, on doit attendre des années. Il faut corriger l’idée préconçue, l’enlever et  semer la vraie valeur de l’art dans les esprits. Le résultat se manifestera qu’aux prochaines générations et à cet instant je serai déjà mort.

Hélas, il fallait que je cherche ailleurs et que j’aille vers ceux qui connaissent la valeur de l’art et sont conscient de son importance. Je veux évoluer et pour cela, j’ai choisi le pays qui présentait depuis des siècles, un regard objectif et valorisant de l’art.

Mon sujet est un regard sur l’Évolution Et sur Les Mouvements Artistiques. J’apporte un regard sur ce que je crois correct. L’artiste n’est pas l’idiot en comparaison avec le scientifique. Puisque les ouvres artistiques, d’un artiste au regard et au esprit vifs ; émanent d’une pensée profonde, d’une méditation complète et d’une vision très cernée sur ce qui nous entours. Vinci est  l’un des meilleurs exemples.

Je trouve d’un coté, devant tout le chemin qu’a accompli l’artiste et avec le grand lot d’ouvres qu’il a réalisé. Qu’à notre époque vouloir défendre l’art est une chose absurde.
Mais pourquoi, je prends la peine de défendre l’art ? Parce que je suis conscient.

* Je joins mon travail théorique de quatre dessins. Afin, d’éclaircir mon idée sur mon choix du sujet.










1-  Conscience et connaissance :

     Si en Algérie et aux pays du tiers-monde, l’art est vu avec médiocrité. La cause réside dans la culture des gens et même s’ils sont instruits. Fors bien l’explique Mohamed, Khadda (Creuset culturel, Algérie)
«  La peinture de chevalet en Algérie n'a que quatre-vingt ans d'âge puisque les premières expositions de peintres algériens se situent entre les années vingt et trente de ce siècle. »
Donc, ceci démontre que l’art n’a pas pris racine dans la vie des gens et beaucoup non aucune information sur tel ou tel artiste.
Il existe une poignée d’Algériens qui a un savoir sur l’art et le pratique. Des hommes et des femmes (une pincée d’artisans et d’artistes amochés) qui possèdent une connaissance artistique, mais cela n’est pas suffisant pour voir l’art et l’artiste évoluer.

Si j’ai subi le regard mesquin et dégradant de mes collègues. Je ne porte envers eux aucune rancune ; puisqu’ils sont ignorants de tout ce qui concerne l’art.
Ce public là, n’a pas perdu sa passion pour l’art et il n’est pas dénoué de sens. Juste, à cause d’un abandon flagrant du gouvernement  et des artistes eux-mêmes, que les gens ont oubliés et négligés l’art.
La mémoire de l’homme est défiante parfois. Il lui arrive d’oublier la saveur du thé à la bergamotes et d’oublier l’odeur des fleurs. S’il ne y’a plus de vendeur de thé et si personne ne s’occupe d’entretenir les jardins, comment on peut se souvenir du beau temps.

2-  L’artiste :
    L’artiste possède déjà ce sens inné, ce don et ce penchant vers l’art. L’homme ordinaire possède aussi une inclinaison vers tout ce qui est beau, sauf qu’il ne peut que ressentir et non produire. Mais cela ne suffit pas encore, il faut qu’ils améliorent leurs savoirs, s’orientent et s’enrichissent.  

    L’artiste doit être conscient qu’il a besoin de son public,  s’il veut voir affluer une masse d’admirateur et vendre ses œuvres. Il se portera à merveille, tant qu’il y’a un public conscient, bien cultivé et très bien orienté vers les différents aspects de l’art.
Mais l’inspiration stagne lorsqu’il ne y’a pas de public qui se bousculent vers les expositions et l’artiste ne produira rien, si les gens qui les entours ignorent tout de l’art.

Pour cela et pour réussir l’osmose entre l’artiste et le public, il faut sensibiliser ce dernier et l’initier à savoir goûter à l’art. Pour réussir la mission, on doit mobiliser les moyens d’informations, les médias, aller vers ce public et l’attirer à nous. Tout cet effort pour élargir la connaissance des gens ordinaires et afin de :

 1-Éclaircir la vision des gens sur la valeur de l’art et démonter son existence dans notre vie.
Quand je voyais une collègue à moi et qui avec mesquinerie me parlait de l’insignifiance de l’art. Je la regardais et je m’étonnais. Parce qu’elle et d’autres  étaient avec panache truffées de bijoux. Je constatais leur soin d’harmoniser les couleurs de leurs vêtements et par exemple : elles mettaient des chaussures de la même couleur que leurs cartables. Elles faisaient attention, à bien choisir leur maquillage suivant  leurs teints. D’un autre coté, elles prenaient des astuces pour relooker leurs maisons et soignaient leurs décors.
Et malgré tout cela, elles me demandaient à quoi sert l’art. Parfois, je leurs ouvrais les yeux et d’autres je n’avais marre de lutter contre toute une populace qui était contaminée par la même pensée.    

 
 2-Expliquer constamment le rôle de l’art, qu’il est une voie d’expression et une voie vers la béatitude.
En flânant sur les rues de Paris. J’ai pu observer, toucher l’art et sentir sa présence. Que ce soit dans l’architecture ou dans l’aménagement des routes. Il y’a de la poésie dans l’air parisien et malgré le ciel gris. Les murs sont incrustés de couleurs et les trains multicolores. J’ai remarqué la poésie encore, sur le langage des passants qui me vouvoyer et une politesse lyrique même dans la mendicité. Bizarre, on demande l’aumône avec une jolie politesse et parfois versifié par le regard des chiens tenant un panier pour sébile. Le seul coin en France, qui manque de fantaisie est le métro et parfois non.    


3-Pointer le doigt sur l’univers qui est chargé de phénomènes naturels et qui reflètent la magnificence brute et enchanteresse.
          Si Cézanne a peint la montagne Sainte-Victoire plus qu’une fois. Et qu’est-ce une montagne qu’une masse de bloque immobile. D’après ses plusieurs reprises suivant les heures et les saisons, Cézanne a montré qu’il y’a de la vie et il suffit de voir la lumière de la nuit et du  jour qui colore nos vies et nos corps.
          La vie est truffée de mouvement et de spectacle. Juste, il faut au regard terne et torve de prendre plus du temps et de savoir admirer et non pas que regarder. Regarder, apercevoir et se charmer par la nature.    

4-Planter dans l’esprit de chaque homme et femme, le savoir de savourer la vie.
L’art était omniprésent dans toutes les grandes civilisations et il était l’indice de la suprématie. Et savoir apprécier les bonnes choses, n’est certes pas donné à tout le monde. Alors pourquoi, en France l’art truffe les rues, les maisons, les arbres et tout ce qui est constitue entourage des français.
Une fois, je conversais avec une internaute et elle était surprise de savoir que je sentis des frissons lorsque je voyais un bel objet exposé dans une vitrine. Je m’arrêtais de marcher lorsqu’un air musical m’interpellait dans la rue et que j’étais dans tous mes états en lisant un vers de Prévert.
Je lui expliquais que ma sensibilité est une chose innée et chacun la possède. Avec des normes qui diffèrent et il faut juste la développer.    


3-  Qu’est ce que s’est l’art ?
    L’art est l’expression à travers les différents moyens de transmission, visuels, auditifs et audiovisuels.
4-   Qu’est ce que s’est le dessin ?
    Il est aussi une expression et une présentation d’après modèle ou sujet inventif. Fait par l’appui de traits, de lignes et complimenté par les couleurs.

5-    L’évolution de l’art :
     L’art et en particulier la peinture ont évolués à partir de nombreuses mutations et mouvements artistiques. Et puisque l’art exhale des sentiments mutants, de la sensibilité inconstante et du caprice fugueur de l’artiste ; il est toute fois pas facile de le définir.
Ce constat, je l’ai touché chez mes prédécesseurs. Comme moi, ils voient que l’art est une façon d’exprimer ce qui interne et invisible à l’œil nu des autres. L’artiste exprime son opinion, son impression, sa vision et qui d’ailleurs échappent aux regards de ceux qui l’entours.

    L’art a-t-il évolué ou régressé ? L’interminable question. Si on se réfère à l’art abstrait et ses œuvres, on a l’impression que ce mouvement marque la chute et la disgrâce de l’art. Si on compare la toile « Composition rouge, bleu et jaune » de Mondrian avec Le radeau de la Méduse, de Géricault, on constate le contraste. Et d’une pensée simple et d’un premier coup d’œil on se dit :
- ben, Mondrian ne s’est pas fatigué devant l’effort qu’a fourni Géricault !

     Mais peut-on faire une critique ? Si les remarques qui se font souvent sur l’art, se limitent à des réflexions un peu absurdes. Tel que l’art est mort ou tel que l’art a régressé. C’est peut-être vrai ! Et beaucoup ont tranchés cette question et aller jusqu’à sonner le glas en déclarant la mort de l’art.
Quelle est la cause ? Ceci devant l’aisance et la liberté que prenne la nouvelle génération d’artistes par à port aux règles anciennes. Tandis que l’art ne meurt pas, tant qu’il y’a un esprit vif et inventif et tant qu’il y’a des créateurs.
    Choisir entre Mondrian ou Géricault est une grande erreur, puisque chacun appartient à une époque différente. Avec le temps les mœurs changent, la vision sur le monde change et si on tranche en choisissant un seul style d’art comme crédible et seule référence. Alors là, vraiment l’art meurt et perd sa vraie valeur, qui est la liberté d’expression.
Encore l’art ne meurt pas, lorsqu’on comprend Mondrian. Et qu’avec sa composition de carrés et de couleurs, il a fourni l’effort équivalant à celui de l’autre. Puisque ses tableaux émanent d’une pensée profonde et  d’un regard récent sur le monde.
L’artiste copie, imite et reproduit ce que lui révèle la nature. Il est dans la réalité et expose ce qui l’entours. D’un autre coté, l’artiste se révolte et tire de sa propre noirceur et de son dégoût une nouvelle vision du monde. Voilà pourquoi le monde change et l’art est en avance.

On découvre en passant par le réalisme, le naturalisme l'impressionnisme, le symbolisme, le fauvisme, l’expressionnisme et aux arts contemporains ; que l’homme ne veut que se libérer. Il s’est libéré du trait qui cerne la forme des choses et il s’est défié des couleurs et des mélanges. Les tableaux sont de plus en plus informes, sans corps apparent et difficile à comprendre. (Je montre dans mes quatre dessins que c’est toujours la forme qui s’éclipse. J’ai pris d’exemple une nature morte : banane et petite assiette. Le contour se dissipe du dessin réaliste, à l’expressionniste passant par le cubisme et finir vers l’abstrait)
Ce jeu du simple et du complexe, se voit au long des mouvements artistiques.

Le radeau de la Méduse : tableau simple a comprendre, mais complexe dans sa réalisation.
Composition rouge, bleu et jaune : simple a réalisé, mais complexe par l’idée.

Ceci révèle l’histoire de l’homme qui compose et décompose. Puisque la terre est ronde ; l’homme tourne en rond, pour sortir du cercle vicieux et des idées qui rencontre. Il décompose pour ouvrir d’autres horizons, afin que son trajet lui paraisse long.  



6-La création :
   Parce que la vie est courte, l’homme veut découvrir par ses propres moyens un issue à la longévité. Par la pensée et l’imagination, il veut se défaire de ce qui a été fait. Et voilà pourquoi, se répète l’éternel débat entre les aînés et les jeunes. Les premiers veulent offrir leur savoir et les derniers veulent explorer eux-mêmes les abysses de cette vie.
Mais la création est toujours à l’heure, car les jeunes sont motivés et par ego ils veulent s’imposer et s’affirmer. Malgré la ténacité des sages, les jeunes arrivent toujours à créer et inventer.
Ce que je constate, c’est que dans ce cas aussi, il ne faut pas trancher et dire que la jeunesse n’a aucune conscience. Car avec le temps joue un rôle important. Comme on ne peut juger la crédibilité d’un tableau appartenant à l’école naïve avec un autre de l’école de la renaissance ; on ne peut aussi juger la crédibilité d’un jeune contre son aîné.
Si on juge on stagne et on limite la pensée à un seul tracé et à une seule voie.  De cette façon, il ne y’aura pas de création et il y’aura plus d’art. La diversité  est une veine et une qualité, qu’il faut la conserver. Les artistes l’ont montrés et s’est fort agréable de voir la coexistence des artistes.
Il faut cesser de se chamailler et de vouloir valider tel ou tel style d’art. Ceci, pour ouvrir la voie à l’expression.

7-Pour qu’il vive :
Il faut aux aînés de comprendre le zèle, la pulsion et l’audace des jeunes. Et aux jouvenceaux, de respecter l’héritage ancestral. Pour que l’autre vive l’autre, il faut comprendre que l’art change d’un espace à un autre et se meut d’une époque à une autre, et qu’à la fin, tout deviendra poussière.
Il aussi cesser de se débattre sur la légitimité d’un style et de trôner un seul homme comme le grand maître, l’idole, le virtuose et le champion. J’en ai vu tellement de brillons artistes, qui  mourront hélas dans l’anonymat. Parce que la terre est ronde et non plate. Nous sommes trop nombreux et seul de nous peut se mettre debout sur son pôle.
La vie est comme un casting et il y’a je ne sais quoi. Peut-être de la chance et de la providence qui facilitent l’accès à un artiste et dit-on le plus qualifié. Ça ne fait pas des autres du nuls ; juste que l’élu été favorisé. L’art avant et depuis la révolution française est devenu un droit public et chaque citoyen à droit à sa part de la beauté. Donc, l’art n’appartient pas qu’a Cézanne ou Vinci, il est à tous et surtout aux misérables.
Pour qu’il vive, il faut offrir un espace à tout être humain qui veut s’exprimer et cesser d’attribuer les médailles aux favoris et aux érudits. La vie est courte et l’art dans sa définition veut que chacun reçoit dignement un peu de beauté.
Pourquoi, les palaces sont soigneusement peaufinés et décorés ? Pourquoi, les quartiers chics sont hautement façonnés et l’art empeste de leur architecture et de leurs beaux jardins qui les truffent.
L’art doit aller vers les lieux défavorisés, pour anoblir le message qu’il porte. J’ai visité paris et j’ai remarqué

8-Jugement et critique :
   Toujours une critique d’un style se fait par apport à un autre. Une comparaison entre deux choses, l’un d’eux est pris comme modèle et référence ; tandis que l’autre est la mauvaise œuvre.
Cet esprit de vouloir critiquer et désigner le meilleur du médiocre, le beau du laid et le parfait du l’imparfait. Se répand sur tous les domaines et c’est devenu une façon de penser. Jusqu’à voir des gens se donner la mort, à cause des jugements hâtifs qu’ils subissent et parce qu’ils ne répondent pas aux critères demandés.
Le perfectionnement est une qualité et une vertu. Parce que c’est par lui, que le monde évolue et s’échappe de ce qui était dicté. Mais ressembler aux tops modèles, aux acteurs et être au même niveau des sportifs. Sont-ils la meilleure idée, le meilleur esprit et le juste exemple à suivre ?

Faisant une comparaison :
Entre l’artiste algérienne Baya et Rembrandt. Avant tout prenant à titre exemple, ces deux commentaires sur deux sites différents.
L’un sur Baya :
« La publication d'œuvres de Baya est tout à fait atypique sur ce site car on ne peut pas parler à proprement parler de peinture orientaliste à son sujet.
Mais la vie, le parcours de cette artiste exceptionnelle, la reconnaissance générale de son oeuvre dans le milieu de l'orientalisme, et par dessus tout la caractère unique de son art qui fait de ses œuvres des moments d'émotion, tout cela fait que je lui réserve une place toute particulière parmi tous les autres artistes orientalistes. »
Et l’autre sur Rembrandt :
« Cet extraordinaire artiste baroque hollandais, contemporain de Rubens, est à juste titre considéré comme le meilleur peintre de l'âme humaine qui n'ait jamais existé. Rembrandt n'est-il pas perçu comme le chef de file de l'âge d'or hollandais ?
Bien que l'existence et la pensée de ce génie nous soient peu connues, hormis les grands drames qui ont jalonné la carrière de Rembrandt, sa fameuse série d'autoportraits constitue un ensemble unique dans l'histoire de la peinture (sans oublier sa célèbre Ronde de nuit), le rendant particulièrement familier aux générations qui suivirent. »


D’une première lecture des deux avis, on devine l’influence de l’idée du parfait et du médiocre. On sent un peu de rejet envers le commentateur envers Baya et un avis élogieux de l’autre par à port à Rembrandt. Regardant maintenant 1er tableau de Baya et 2em tableau de Rembrandt :

             
Femme et oiseau en cage,

                                                         


Artemis, 1634





La différence entre ces deux tableaux est flagrante. Et les gens simples iront sans aucun doute, vers le tableau de Rembrandt. Sans même être influencé par l’avis des auteurs des commentaires en haut. Car encore les gens ont une idée fixe sur le beau et qu’il est parfait.
Et à l’image de dieu, puisque dans la pensée humaine dieu est beau et le diable est moche. Et de ce fait, on devise les choses vivantes et non vivantes en deux catégories.
Mais si l’indice de la beauté se diversifie entre peuple et tribu, entre les communautés et entre les membres issus d’une même famille. Et si la longue suite des mouvements artistique, depuis les écoles classiques aux contemporaines nous montre qu’une chose. La critique doit être un jugement dans un sens et non une comparaison. Parce que malgré la critique contre les expressionnistes et autres artistes et styles, les mouvements artistiques ont résistés et existent à nos jours.
A quoi bon, de dire ce style est mauvais et médiocre. A quoi bon de dire cet artiste est un profane ou un virtuose. Puisque, les artistes tant critiqués ont montrés que leur nouvel art émane d’une pensée. Cubisme, abstrait et fauvisme, l’art ne se plie pas aux critiques et aux mesures du beau et du laid. Mais il obéi à la mesure de la création et du renouveau.
Fau-t-il arrêter de critiquer ?
Non, il faut critiquer. C’est avec une bonne critique que toute personne évolue. Mais, une critique ne doit pas être une comparaison, puisque les visions des gens ne se ressemblent pas. Les diverses écoles artistiques l’ont très bien montrés. Juste, il faut critiquer une oeuvre suivant l’esprit qu’elle interprète. On disant apporte-elle une nouvelle idée et ajoute-elle un nouveau regard sur le monde ?
L’artiste ne doit pas être comparé à un autre, mais comparer à son parcourt artistique. A-t-il évolue,  a-t-il changé et sa façon d’ouvrer s’est-elle améliorée ?

Les liens :
-  Qu'est-ce que l'art ?:
http://www.centrebouddhisteparis.org/AOBO/Art/Qu_est-ce_que_l_art_/qu_est-ce_que_l_art_.html
-Rembrandt :Artemis, 1634 :
http://www.grandspeintres.com/rembrandt/galerie.php?posDepart=8#
http://www.grandspeintres.com/rembrandt/index.php

- Baya :
http://www.abcd-artbrut.org/article.php3?id_article=81
http://orientaliste.free.fr/expovirt/t216.html

--Message edité par coucou le 2006-04-24 02:46:23--

Merci beaucoup Adjel pour cet exposé de tes idées sur l'art. C'était très intéressant !
Amicalement